‘La gente se vuelve adicta’: nuevo local en Londres a la vanguardia del gran resurgimiento de la danza | Pozos de Sadler
soyEs hora de buenas noticias. La narrativa en las artes (y en todas partes) en la década de 2020 es a menudo de recortes, cierres y apretarse el cinturón. Pero en un rincón del este de Londres, el espíritu de 2012 todavía parpadea (¿recuerdas los días felices de 2012?). Una serie de nuevos lugares culturales están cobrando vida frente al Estadio de Londres en el Parque Olímpico Reina Isabel de Stratford. Los estudiantes deambulan por el London College of Fashion; Allí, el V&A East Museum y los BBC Music Studios abrirán sus puertas en 2026; Y al final de la fila, justo enfrente del Centro Acuático de Londres de Zaha Hadid, el nuevo Sadler’s Wells East, un teatro de danza dedicado, abrió sus puertas en febrero.
Un lugar hermano del Teatro Sadler’s Wells original en Islington, es sin duda el mayor evento de danza en la capital en mucho tiempo en términos de visibilidad. Más de 20 millones de personas visitaron el parque el año pasado, y millones más pasarán ahora por el llamativo techo de sierra del edificio diseñado por O’Donnell y Toomey, cuyo letrero de neón encima de la puerta proclama “Bienvenido”, con la esperanza de atraerlos al hermoso Interior, hileras de bombillas colgando sobre la barra, seis estudios arriba y un auditorio con capacidad para 550 personas.
El teatro es producto de grandes tiempos. En 2013, Sir Alastair Spalding, director artístico de Sadler’s Wells, declaró públicamente que aspiraba a una nueva sede de escala media, y al cabo de un año estaban de acuerdo con este importante proyecto de legado olímpico, llamado Olympiapolis por el entonces alcalde Boris Johnson, más tarde Sadiq Khan East Reiniciado como banco. En la década de la fundación, nos enfrentamos al Brexit, al Covid, a los costos vertiginosos de los materiales y Spalding es honesto: no habría sucedido sin el apoyo de los Juegos Olímpicos, la London Legacy Development Corporation y dos alcaldes sucesivos.
Es el cuarto escenario de Sadler’s Wells después del sitio original, que tiene un escenario principal con capacidad para 1.500 personas y un estudio Lillian Baylis con capacidad para 180 personas, y el más popular Peacock Theatre en el West End de Londres. Esto significó un aumento significativo en la cantidad de baile en el escenario en Londres, con un 49% más de espectáculos para vender año tras año para Sadler. Ahora la pregunta es, ¿podrán ocupar el puesto?
“Sí, sí, estoy seguro”, dijo Spalding, imperturbable ante la perspectiva. “Estamos llenos en Sadler’s Wells, por lo que hay mucha fuerza”. La venta de entradas en los locales existentes de Sadler ha sido mayor que la recuperación posterior a Covid. “Lo que estaba realmente claro era que la gente quería volver y disfrutar de algo juntos en casa”. En 2023/24, la asistencia al Islington Theatre aumentó un 30% con respecto al año anterior y, salvo el problema de Covid, ha experimentado un crecimiento constante año tras año en cifras. Spalding no puede explicar exactamente por qué el auditorio se está llenando, pero “hay algo en el éter acerca del baile”, dice. “La gente realmente se está involucrando en esto. Ciertamente ha cambiado en los últimos 15 o 20 años”.
Cuando Spalding asumió el control de Sadler’s Wells en 2004, era principalmente una casa de recepción que albergaba a empresas visitantes. Desde entonces se ha convertido en un gigante de la danza contemporánea y en una fuerza importante que da forma a la cultura de la danza. Sus primeros colaboradores, incluidos Wayne McGregor, Akram Khan, Matthew Bourne y Hofesh Schechter, son algunos de los nombres más importantes en su campo. Este mes, Sadler Rose lanzó el Premio Internacional de Danza, cuyo objetivo es igualar las 40.000 libras esterlinas del premio Turner/Booker.
En 2005, Spalding dijo que quería que Sadler’s Wells fuera el equivalente del Teatro Nacional de danza. ¿Llegaron allí? “Creo que está ahí, sí”, dice. “Pero todavía no somos realmente parte del establishment”.
El ambiente es muy “constrúyelo y ellos vendrán”. El nuevo teatro albergará compañías del Reino Unido e internacionales que antes no habían tenido un lugar para actuar en Londres y cruzará de manera emocionante todas las formas de danza: ballet, contemporánea, hip-hop, del sur de Asia y muchas cosas que no encajan. una categoría ordenada. La temporada inaugural comienza con una fiesta, Our Mighty Groove, una actuación inmersiva inspirada en la propia epifanía de la coreógrafa Vicky Igbokwe-Ozoyagu en la pista de baile de la escena de clubes de Nueva York. “Entré como chica tímida; Me sentí como Janet Jackson”, me dice. “Quiero que todos sientan eso”.
La temporada continúa con una gama ecléctica de artistas. Puede ver Peace Impact Driver de Eve Stainton, que presenta soldadura en vivo; La coreógrafa danesa Mette Ingvartsen está convirtiendo el teatro en un skatepark; y la brillante Find Your Eyes de Benji Reid, una combinación de coreografía y fotografía en vivo.
Importantes coreógrafos internacionales influyeron en el diseño del edificio: William Forsyth asesoró en la iluminación del estudio; Ann Teresa de Kiersmaeker dice que los asientos en un auditorio deberían ser curvos en lugar de rectos, para crear una mayor sensación de unidad. Pero también hay un verdadero enfoque en las audiencias locales y las comunidades circundantes. A pesar de todas las brillantes torres construidas en esta parte de Londres, Newham Borough sigue siendo uno de los más desfavorecidos de la ciudad. Sadler’s ya ha estado trabajando aquí con escuelas locales y grupos comunitarios durante los últimos siete años y el nuevo lugar tiene un gran vestíbulo en forma de L con un escenario donde actuarán grupos comunitarios y las entradas para el teatro se venderán por menos de una libra. 25.
Academy Breakin Convention será la primera escuela de hip-hop del Reino Unido en Sadler’s Wells East, donde los jóvenes de 16 a 19 años podrán estudiar para un BTec en elementos de hip-hop: popping, break, baile social, MCing, producción musical, DJ y Graffiti. También alberga la Escuela Coreográfica Rose, una filial de la influyente Escuela Partes de Bélgica, donde los artistas en activo pueden desarrollar su práctica bajo la atenta mirada de coreógrafos como Forsyth y Trajal Harrell.
Después de la circulación del boletín
Sadler’s Wells parece encaminarse hacia un monopolio en todo lo relacionado con la danza. ¿Es eso saludable? “Creo que, en realidad, no es saludable”, admite Spalding. “Pero ahora parece haber una escena próspera en todo Londres”. Parece así hablar con el lugar principal. El Royal Ballet, que actúa en la Royal Opera House de Covent Garden, con capacidad para 2256 asientos, regularmente agota las entradas del público o supera el 90% de su capacidad, con ventas de entradas muy por encima de los niveles anteriores a Covid y nuevas audiencias significativas que entran por sus puertas (los precios comienzan en £7). El Southbank Center impulsa su oferta de danza y espectáculos con la llegada del programador Aaron Wright en 2023. Señala que se agotaron las entradas para los espectáculos de la coreógrafa Holly Blakey y el colectivo francés (la)horde (ambos vinculados al mundo de la moda y la música pop) y que se atrajo a un público más joven.
Sala Foto: Picture Plane Ltd/Picture Plane
“En cuanto al público de baile, parece que hay un verdadero apetito en Londres”. Dijo Wright. “La gente quiere más y está ansiosa por venir y ver nuevas empresas”. Eddie Nixon, director artístico de The Place, un pequeño teatro que alberga artistas prometedores y experimentales, dijo que su asistencia fue la más alta jamás vista. Las cifras de las organizaciones de cartera nacional financiadas por el Arts Council en toda Inglaterra también muestran que la asistencia en 2023/24 ha superado los niveles anteriores a Covid. Pero el éxito de estas instituciones grandes y bien financiadas oscurece el panorama con el que luchan muchos artistas de danza independientes.
Fuera de la capital, que carece de financiación básica regular -donde las subvenciones de los gobiernos locales a menudo se han reducido- el panorama es mucho más incierto. El coreógrafo Richard Chappell, cuya compañía tiene su sede en Exeter, dice que los artistas en su mundo están “al límite de límites emocionales y prácticos”. Aunque la demanda de su trabajo por parte del público y los lugares es “tremendamente alta”, dijo, y están activos en la recaudación de fondos, la compañía actualmente sólo tiene suficiente dinero para mantenerlos hasta julio. “Defiendo el gran trabajo que están haciendo estas brillantes instituciones, pero la diferencia entre mi experiencia en sus espacios versus la experiencia que tenemos trabajando con artistas y grupos comunitarios y audiencias, es como un país diferente”.
Pero incluso aquellos en situación desesperada dicen que el entusiasmo del público por el baile es alto, sin razón aparente. Wright reconoce que las redes sociales son poderosas para comercializar esta forma de arte visual. “Cuando tenemos un buen tráiler, el día que lo lanzamos vemos un aumento instantáneo en las entradas”, afirma. Nixon está de acuerdo, pero también ve la danza como un escape de una vida siempre en línea: “Creo que la gente quiere alejarse de la comunicación digital, escapar de algún modo cinestésico de ver el mundo que se trata de los latidos del corazón y los momentos del ser. Presente.”
Spalding tiene su propia teoría. “El público de la danza es muy decidido y dedicado”, dice. “Algunas personas lo entienden y otras no. Pero cuando entras y lo disfrutas, quieres más y más. La gente se vuelve un poco adicta. Empezaron a decir: ‘Ya no quiero ir al teatro’. Lo mío es bailar.’