Revisión de las partes 1 y 2 de la saga Forsyth: El derecho revela una traición para el matrimonio y las familias en conflicto | el teatro
lAntes del drama de arriba y abajo de Downton Abbey, John Galsworthy tenía las travesuras dinásticas de la nueva familia rica Forsyth. Su amor y enemistad abarcaron nueve libros y se contrastaron con más de cuatro décadas de historia británica.
A diferencia de Downton, la historia sólo está arriba. Han recorrido un largo camino desde sus descendientes agricultores de Dorset y no son la mejor clase de personas: anteponen el dinero a la necesidad de “tener cosas”. Adaptado por Sean McKenna y Lynn Coghlan, quienes previamente adaptaron la historia para la radio, vemos cómo este derecho se manifiesta en el amor, el matrimonio y la traición.
Hay mucho drama humano y ambos se centran en las experiencias de las mujeres, la primera que involucra a Irene (Fiona Hampton) y su violación conyugal a manos del propietario Soames (Joseph Milson) en la época victoriana. La segunda es Fleur (Flora Spencer-Longhurst), la hija de Soames y nuestra narradora ocasional, y tiene lugar después de la Gran Guerra. Menos dependiente del melodrama familiar y más vivo por ello, presenta un romance desventurado entre Fleur y el hijo de Irene, John (Andy Rush), quienes están a ambos lados de una ruptura familiar. Vemos a la testaruda Fleur como un derecho al amor (¿como un padre, como una hija?). “Eres mía”, repite posesivamente. John es un personaje más pasivo y pálido en comparación con el amante de Irene, Philip Bosini (también interpretado por Rush).
La primera parte es una especie de Guerra y paz iluminada, que muestra cómo los destinos de los miembros de la familia están moldeados o restringidos por la época en la que viven, aunque los acontecimientos históricos más importantes parecen distantes, con breves discusiones sobre los bóers en Sudáfrica y el funeral de la reina Victoria, pero sin mezclarse con el drama humano. La generación de posguerra de la década de 1920 habla de la vida como una comedia y transmite un nihilismo hedonista en la segunda parte, pero lo repite más que lo siente.
El villano de la primera parte, Soames, se convierte en un padre vulnerable que debe permanecer al margen y observar cómo su hija repite sus errores. Irene, cuya belleza parece ser un objeto de arte para el joven Soames, captura, además de su colección de arte, la angustia interior y las opciones asfixiantes de una mujer que vive en una época que la deja impotente como esposa, aunque parezca ventajosa por fuera. En algunos aspectos es una Anna Karenina británica, aunque ha demostrado ser una superviviente.
La presentación inicial de esta producción fue en el espacio íntimo y marginal del Park Theatre de Londres, donde se escenificó de manera innovadora, con un conjunto adicional de habilidades, compuesto por poco más que la capa de cortina de terciopelo. Toda la riqueza de esta familia tenía que ser imaginada por el público. Esta puesta en escena de la Royal Shakespeare Company es la misma pero tiene un efecto diferente. Parece menos experimental, más bien un hábil drama de época al estilo Merchant Ivory que funciona para engancharte.
Aun así, el director Josh Roche lo logra con ingenio y ritmo. La escenografía minimalista llama la atención por su opulencia de terciopelo rojo. Además del sonido premium, compuesto y diseñado por Max Pappenheim, es nítido y vivo (palomas torcaces, herraduras, etc.).
Hay una fluidez en los cambios de escena que añade una resaca psicológica: los personajes de la última escena miran la siguiente, como si estuvieran escuchando a escondidas, o acechan en la mente como fantasmas. Varias actuaciones implican hábiles malabarismos con los personajes. Pero esta forma imaginativa de narración se ve revertida por una historia familiar de familias ricas que es típicamente sombría y animal. Básicamente es una gran telenovela que se desarrolla con bastante facilidad durante cinco horas (si miras ambas), pero no profundiza exactamente en los personajes ni en la historia.